El paisaje nórdico

EL PAISAJE NÓRDICO EN EL PRADO (La Lonja, Zaragoza)

Es una exposición imprescindible. Se disfruta paseando entre paisajes helados, detalladas escenas exóticas o detallistas estampas cotidianas. Se pueden observar diferentes tipologías del paisaje que surgieron a lo largo del siglo XVII en Flandes y Holanda. Los pintores representaron con fidelidad montañas, bosques, campiñas, ríos, mares, parajes cubiertos de nieve o canales helados, inmersos en una luz naturalista.

Durante la Edad Moderna, los italianos llamaron “nórdicos” a los pintores de las tierras que estaban más allá de los Alpes y fundamentalmente a los de los Países Bajos. Allí, el contexto social y cultural hizo que, a lo largo del siglo XVII, pintores y coleccionistas se apartaran en gran medida de los temas heroicos propios de la pintura de historia en favor de asuntos cotidianos, pero igualmente aptos para la pintura. Entre ellos estaba el paisaje, que pasó a convertirse en un género pictórico independiente en el que el asunto representado se relega a un segundo plano y se convierte en pretexto para representar con fidelidad los elementos de la naturaleza.

La exposición está compuesta por 43 obras y entre los pintores  figuran los más destacados maestros del género, con obras tan representativas como Paisaje alpino de Tobias Verhaecht, uno de los maestros de Rubens; La vida campesina, La Abundancia y los Cuatro Elementos y Boda campestre de Jan Brueghel el Viejo, además de La visión de san Huberto que pintó en colaboración con Rubens o Mercado y lavadero en Flandesen colaboración con Joos de Momper el Joven; Paisaje con gitanos y Tiro con arco de David Teniers o los dramáticosAsedio de Aire-sur-a-Lys de Peeter Snayers y Bosque de Simon de Vlieger.

Las dos tipologías más características del paisaje nórdico –el paisaje de invierno y el paisaje de agua– están representadas con obras tan delicadas como El puerto de Ámsterdam en invierno de Hendrick Jacobsz Dubbels oPaisaje con patinadores de Joos de Momper el Joven; y por pinturas como Playa con pescadores de Adam Willaerts y Embarcando en una playa de Bonaventura Peeters, que unen el paisaje con la escena de género. Un puerto de mar y Paisaje con desembarco de holandeses en tierras de Brasil de Jan Peeters aluden a las lejanas tierras a las que las rutas comerciales llevaron a los holandeses. Y, por último, está Rubens, el gran maestro flamenco, cuyos paisajes constituyen la parte más íntima, más personal de su producción. De ellos se expone el soberbio Atalanta y Meleagro cazando el jabalí de Caledonia, una de las obras cumbres del paisaje nórdico. Por último, aparacen algunos de los paisajes encargados por Felipe IV para decorar el palacio del Buen Retiro de Madrid a Claudio de Lorena, Jan Both y Herman van Swanevelt, los jóvenes pintores nórdicos que iniciaron en Roma el llamado “paisaje italianizante” que en Holanda contó con numerosos seguidores. El más destacado fue Philips Wouwerman, que se especializo en la representación de cacerías comoParada en la venta y Partida de caza y pescadores que adelantan ya el gusto rococó

Catacala

El silencio necesario.

Photographie de la nouvelle Russie, 1990- 2010

Lunas de TISHKOV:

"De la photographie russe, on connaît essentiellement les prodigieux travaux avant-gardistes menés par Alexander Rodtchenko, El Lissitzky, Gustav Kloutsis et la revue Lef, sous la forme de photomontages à la gloire du bolchevisme, et de photographies relevant de la Nouvelle Vision, plongées, contre-plongées, plans rapprochés, obliques, fragmentations, etc. Mais aussi, hélas, les produits formatés du réalisme socialiste, lorsque Staline prit le pouvoir et liquida toutes les avant-gardes au profit d'un art et d'une photographie dont la seule fonction était de glorifier le régime et le Petit Père des Peuples.
Pendant des décennies, ce fut le silence, l'oppression, la chape de plomb, même si on peut imaginer que certains eurent le courage, au risque de leur vie, de résister. Ce n'est qu'avec la Perestroïka, à la fin des années quatre-vingt, qu'apparut enfin au grand jour un art non-officiel, émanant de la culture underground. L'individu l'emporta peu à peu sur le collectif, tandis que tout était à réinventer : nouvelles formes, nouvelles thématiques, nouveaux modes d'expositions, dans les journaux, les galeries, les Biennales, à l'étranger enfin. Il devenait urgent de se défaire des vieux oripeaux idéologiques, d'affronter le vrai visage de la Russie, loin des mirages du communisme dur, loin des discours officiels formatés, et d'en rendre compte par l'image.
Le documentaire - parce qu'il se veut une lecture fidèle de la réalité - fut incontestablement l'une des formes visuelles privilégiées, ainsi que la Street Photography, qui rendait compte, dans une sorte de vivante immédiateté, du flux énergique des villes russes. Citons Alexander Abasa, Yevgeny Kondatov, Yuri Kozyrev, Vladimir Mishukov, Georgy Pervov, Valeri Schchekoldin, Vladimir Siomin, Aleksander Sliusarev, Vladimir Viatkin, Mikhail Yevstafiev, et peut-être surtout Igor Mukhin, qui se montre particulièrement attentif à la dialectique complexe entre les vestiges d'un communisme défunt et l'émergence agressive d'un capitalisme libéral très offensif, de même qu'aux paysages urbains, aux gens, aux visages et aux plus jeunes".
Maison Européenne de la Photographie (hasta finales de agosto 2010)

Siempre es un placer visitar este lugar. En esta ocasión me entretuve bastante tiempo en esta exposición sobre la realidad de Rusia, desconocida y antigua en su tímida modernidad.

PERVOV:

La maison de Victor Hugo

Situada en L´Hôtel de Rohan- Guéménée, place des Vosges (Paris), allí vivíó el escritor desde 1832 hasta 1848. Se trata de una bonita maison- musée, cuando se instaló con su familia en ella, tenía treinta años. Allí vivió junto a su mujer Adèle Fouchet y sus hijos Léopoldine, Victor y Adèle. La casa está impregnada por la presencia y el recuerdo de Léopoldine, su querida hija que murió ahogada en su viaje de novios.
Los visitantes contemplamos con respeto ese pequeño fragmento de vida que componen las diferenctes estancias: el dormitorio del escritor, le salon rouge, le salon chinois, el comedor, etc.

La visita se completa ahora en verano con la exposicion Les Orientales. Víctor Hugo tan solo tenía 27 años cuando publicó Les Orientales (Las Orientales), una antología de poemas con un exotismo arrollador, Oriente constituía entonces una importante fuente de inspiración para el romanticismo francés.
Enriquecida con pinturas de Delacroix, Géricault, Chasseriau o Girodet, esta exposición le invita a penetrar en el universo histórico y estético en el que ha evolucionado Víctor Hugo, considerado hoy en día como el escritor romántico más importante en lengua francesa.

Charley Toorop (1891- 1955)

Me encantó esta exposición (Musée d' Art Moderne de Paris) que plasma la trayectoria de una mujer muy peculiar. Bajo el seudónimo de Charley Toorop se encuentra la pintora holandesa Annie Caroline Pontifex Fernhout- Toorop.
Comenzó a pintar bajo la influencia de su padre, el pintor Jan Toorop, del que le influyó el simbolismo. Poco a poco se centra en el expresionismo. Expresa la realidad a través de un fuerte contraste de los colores. En 1918 se instala en Bergen y acentúa el lado humanista de este expresionismo y pinta paisajes urbanos. A partir de una estancia en Amsterdam, se inscribe en la nueva objetividad. Además de bodegones, se centró en los retratos y autorretratos (retrata a sus amigos de Nueva Zelanda, entre otros). La pareja de uno de sus tres hijos, la fotógrafa húngara Eva Besnyö se convirtió en su gran amiga y fue quien plasmó su vida y la de los suyos a través de una serie de fotografías, situadas sobre todo en la Villa de la pintora en Bergen. Tras su muerte, las expuso. La exposición consta también de los trabajos de Eva, de su hijo y de varios amigos como Mondrian.

Erró

"50 ans de collages"
No se le puede definir como ilustrador, historiógrafo ni caricaturista, Erró parte de una serie de contradicciones incomprensibles que él observa ylas refleja en collages originales. Caricaturas de políticos, cómics, dibujos.
Me gustaron especialmente los cómics.

Patrick Jouin

"La substance du desing"

Cuenta la historia de cada uno de los objetos urbanos seleccionados. Las narraciones son construidas a través de imágenes, objetos, actores, dibujos y textos, y de proyecciones, maquetas, etc.

Tanto Jouin como Erró, se encuentran en el Musée del G.Pompidou, Paris.

Lucian Freud

En el Centre Pompidou se muestra una exposición sobre las pinturas de Lucian Freud, británico nacido en Berlín en 1922. Retratosy autorretratos en varias secciones: Intérieurs, Extérieurs, Réflexion, Reprises, Comme la chair.

Mujeres en ARCO/2010

Danica

Danica Phelps y Chinaru Shiota han trabajado sobre el tema de la mujer y el Feminismo, se centran en el reflejo de la intimidad de la mujer.

Shiota

Soulages

Le Centre Pompidou célèbre, par une grande rétrospective, l'œuvre du plus grand peintre de la scène française actuelle, Pierre Soulages. À la veille de son 90ème anniversaire, Soulages, « peintre du noir et de la lumière », est reconnu comme l'une des figures majeures de l'abstraction.
Le Centre Pompidou a consacré une première grande exposition à Pierre Soulages en 1979 faisant suite à celle présentée au Musée national d'art moderne en 1967, avant l'ouverture du Centre. Retraçant plus de 60 ans de peinture, l'exposition de cet automne permet une lecture nouvelle du travail de l'artiste en insistant sur les développements récents de son œuvre.

L'exposition rassemble plus d'une centaine d'œuvres majeures créées de 1946 à aujourd'hui, des étonnants brous de noix des années 1947 - 1949 aux peintures des dernières années (la plupart inédites) qui manifestent le dynamisme et la diversité d'un travail toujours en devenir.
La première partie de l'exposition met l'accent sur la période fondatrice de l'œuvre de Pierre Soulages avec un ensemble important des premières peintures sur papier et des fameux goudrons sur verre, ainsi qu'un choix de peintures parmi les plus représentatives des années 1950 à 1970.

En 1979, Pierre Soulages, qui peint déjà depuis plus de trente ans, aborde une nouvelle phase de son travail qu'il qualifiera d'« Outrenoir » où s'affirme la lumière diffusée par reflets sur une surface entièrement recouverte de noir. En se concentrant sur ce pigment unique et sur la relation du noir à la lumière, il conçoit un espace pictural qui, en dépit de l'emploi d'une seule couleur, se situe à l'opposé du monochrome dans la trajectoire de l'art moderne. L'exposition met clairement en évidence cette « peinture autre » dans toute sa diversité. Dans la dernière partie du parcours, de grands polyptyques récents seront installés en suspension dans l'espace.

La Subversion des Images

Cette exposition regroupe près de 400 œuvres pour un panorama exceptionnel de la photographie surréaliste.

Une large sélection des plus belles épreuves de Man Ray, Hans Bellmer, Claude Cahun, Raoul Ubac, Jacques-André Boiffard, Maurice Tabard sera réunie aux côtés d'images inédites, révélatrices des nombreux usages surréalistes de la photographie : publications dans les revues ou les livres d'artistes, publicités, collections d'images, fascination pour le document brut, photomatons, photographies de groupe...
L'événement révèle au public des corpus méconnus de collages d'artistes renommés tels Paul Eluard, André Breton, Antonin Artaud ou Georges Hugnet, les jeux photographiques de Léo Malet ou Victor Brauner et met en lumière des personnalités comme celles d'Artür Harfaux ou Benjamin Fondane.
Plus de vingt ans après « Explosante fixe », l'exposition de Rosalind Krauss et Jane Livingstone, « La Subversion des images » veut questionner les utilisations de la photographie et de l'image animée par les surréalistes et présenter au public une culture photographique du surréalisme. Chacune des neuf salles de l'exposition propose, autour de concepts-clés, de croiser les travaux des artistes avec les différentes applications qui en ont été faites. Les notions essentielles du mouvement surréaliste ont, en effet, trouvé dans la photographie leur expression la plus directe.
L'exposition propose également une série de films et de courts-métrages réalisés par des artistes surréalistes, Luís Buñuel, Man Ray ou Germaine Dulac.

Exhausted Illusion (Paris)

L’exposition Exhausted Illusion évoque le voyage d’un homme à la recherche d’un idéal de société.

C’est dans l’Arctique, sur les îles Svalbard, que le photographe finlandais Ville Lenkkeri a cru trouver les conditions nécessaires au développement d’une manière de vivre différente, basée sur l’entraide et l’équité.

D’une nature sauvage, dans des conditions climatiques extrêmes, ces îles pratiquement inhabitées ont vu, après la 2nde Guerre Mondiale, des compagnies minières soviétiques exploiter les richesses de leur sol et créer de toutes pièces des villes afin d’héberger les ouvriers mineurs qu’elles faisaient venir des pays frontaliers. La position géographique de l’archipel, à l’extrême nord de la Norvège et sa difficulté d’accès – la banquise recouvre la mer les ¾ de l’année – ont amené les compagnies à proposer des contrats de travail d’une durée de deux ans aux ouvriers qui s’installaient avec femmes et enfants dans ces terres reculées. Les villes disposaient d’infrastructures identiques à celles que nous connaissons (école, hôpital, salle de spectacle, bibliothèque, musée), à cela près que les îles Svalbard étaient vierges de toute route et qu’aucun argent n’était en circulation.

Les ouvriers ne percevaient leur salaire qu’à la fin de leur contrat. Tous leurs besoins au cours de ces deux années étaient pourvus par les compagnies minières qui les déduisaient de leur salaire final.Les journées étaient rythmées par le travail et la vie associative, très active.

La vie sur les îles Svalbard a amené Ville Lenkkeri à rêver d’une société autre, loin des valeurs du commerce et de l’individualisme. Une société basée sur l’entraide et la socialité. Une société dans laquelle, sans le pouvoir de l’argent, les hommes étaient égaux. Une société sans distinction sociale, sans hiérarchie, sans jalousie ni discrimination. Une société où le crime n’existait pas.

C’est cette société idéale, aujourd’hui disparue suite à l’épuisement des mines, que Ville Lenkkeri a voulu retranscrire dans ses photographies.

Avec une question sous jacente sur l’objectivité de la pratique même de la photographie : comment rendre l’image d’une réalité aujourd’hui disparue ? Jusqu’où l’artiste peut-il intervenir dans la composition de ses photographies, afin d’être au plus près de la réalité telle qu’elle est – ou a été, sans pour autant la trahir par une intervention qui la dénaturerait ?

Cette question du poids de la subjectivité rejaillit aussi sur le sujet même de cette série : quelle est la part de projection et d’illusion du photographe dans ce qu’il décrit de la vie sur ces îles ?

Car si dans la région on raconte encore que la punition suprême était d’être chassé de cette communauté – comme Adam et Eve ont pu l’être du Jardin d’Eden –, d’anciens mineurs que le photographe a rencontrés à la fin de son voyage lui ont donné une image tout autre de la réalité. C’est forcés par l’absence de travail dans leur région natale que les ouvriers acceptaient ces contrats de deux ans. Les îles n’étaient qu’un lieu de travail : aucun des ouvriers n’y était né et n’y vieillirait. L’absence de routes rendait toute sortie de la communauté impossible. C’était une vie de labeur dans les mines et le froid polaire, plus proche d’un camp de travail forcé que d’un Paradis perdu.

C’est cet espace intermédiaire, entre utopie et réalité, entre la vision idéalisée d’un jeune homme et la vie réelle, entre une relecture subjective du passé et ce qui fut, que l’exposition Exhausted Illusion vous propose d’explorer

Gaudí y las formas

Curvas. Girasoles. Cícrculos. Laberintos.

Kandinsky (G.Pompidou)

Una maravilla, muy recomendable. Me gustó la etapa parisina sobre todo. Cette grande rétrospective de l'œuvre d'une des figures majeures du XXème siècle, Vassily Kandinsky, est proposée conjointement par le Centre Pompidou, la Städtische Galerie in Lenbachhaus de Munich et le Solomon R. Guggenheim Museum de New York, qui détiennent les plus importants fonds d'œuvres de l'artiste. Elle rassemble une centaine de peintures abouties de Kandinsky, particulièrement les Impressions et les Improvisations. Il s'agit de revisiter la perception d'un peintre né à Moscou sujet du Tsar en 1866, mort citoyen français à Neuilly-sur Seine en 1944. Entre-temps, il aura vécu deux temps forts de la création au XXème siècle : le Cavalier bleu à Munich avant la Première Guerre mondiale et le Bauhaus à Weimar et à Dessau dans l'entre-deux-guerres. L'achèvement du catalogue raisonné de son oeuvre, les récentes découvertes en Russie permettent de restituer l'unité d'une œuvre picturale qui dépasse de beaucoup le concept posthume, trop étriqué, d'« inventeur de l'abstraction ». La présentation parisienne rend également compte des enrichissements constants du fonds Kandinsky – aquarelles et manuscrits exceptionnels de la période « russe » 1914-1917, portfolio du Bauhaus pour son 60ème anniversaire en 1926... – autant d'éléments décisifs réintégrés et offerts au Centre Pompidou par des particuliers et par la Société Kandinsky présidée jusqu'à sa disparition par Mme Georges Pompidou, et aujourd'hui par M. Edouard Balladur

Fluxus

Impresionante exposición que visité la semana pasada en Paris, todo en su sitio y todo fuera de su lugar, cada objeto sorprende y sugiere, introduces un dedo en un pequeño agujero y aparece un ángel, te miras en un espejo y eres otro, las palas de un juego habitual son de espuma, de hierro, una pelota arrojada por ti hace música.Lo mejor: la serie de objetos imposibles. Fluxus es Wostell (tan visitado por mis alumnos y por mí en ese Malpartida de Cáceres...), es Brecht, es Cage ... ¿y las mujeres? ah, eso no es Fluxus (aparentemente). RETZ (Paris): una bella galería. … Soudain l'été Fluxus Rares sont les expositions historiques qui ont été réalisées. Seules trois manifestations institutionnelles ont eu lieu en France : la première à l'Espace Lyonnais d'Art Contemporain en 1979, la seconde aux Musées de Marseille en 1992 en collaboration avec le Walker Art Center de Minneapolis, puis celle au Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain à Nice en 2003 pour les 40 ans de Fluxus. Les Français connaissent mal Fluxus, même s'ils prennent aujourd'hui la mesure de son importance, au travers de nombreuses expositions et présentations collectives, souvent initiées par Ben Vautier, manifestations mêlant toutes les formes d'expression artistique et rendant Fluxus toujours plus indispensable. Les Français ne connaissent pas Fluxus car les protagonistes du mouvement, outre Ben Vautier et Robert Filliou, ont été peu exposés et restent pour la plupart, encore méconnus. Qui sait, en France, qui est Serge III, Robert Erebo ou Roberto Bozzi, avec qui Ben Vautier travaillait à Nice, lorsque lui-même y accueillait en 1963 George Maciunas que Paris boudait ? Après une tentative maladroite de concert Fluxus en 1962 au Centre Américain à Paris, George Maciunas arrive en 1963 à Nice et reste 20 jours chez Ben Vautier. A ce moment-là, il aide Ben à organiser le Festival Fluxus de Nice. Fluxus trouve alors, en France, un développement important au travers de la personnalité de Ben Vautier et de Robert Filliou. L'un est à Nice, l'autre à Villefranche où il ouvre en 1966, en complicité avec George Brecht, La Çédille qui Sourit. Chacun d'eux développe cet esprit collectif essentiel, cette mise en partage dont l'art de notre temps présent se réclame toujours davantage. Les seuls concerts Fluxus donnés ensuite à Paris eurent lieu en 1964, 1965 et 1966, sur l'invitation de Ben par Jean-Jacques Lebel pour le Festival « Libre expression » au Centre Américain, boulevard Raspail, et au théâtre de la Chimère. C'est de la nécessité de mieux faire connaître les protagonistes de cette histoire toujours vivace, que relève cette exposition. Née de discussions complices avec Ben Vautier, dans le cadre proprement vertigineux de sa maison des hauteurs de Nice, … Soudain l'été Fluxus entend donner à un public toujours plus curieux, à partir d'œuvres et d'archives souvent inédites, des repères nécessaires pour saisir la portée et l'impact du mouvement dans l'histoire, comme la force de son actualité. Foncièrement éclectique, Fluxus fait l'éloge du bricolage et de l'expérimentation. Ouvert à toutes les inventions et tentatives, l'œuvre Fluxus n'est pas tant un objet clos qu'un processus ludique et théorique à la fois. Fluxus a rêvé et rêve encore, au travers de ses protagonistes actuels, d'enchanter le monde. C'est en quoi, au-delà d'un art, il est d'abord une attitude, une façon de penser toujours mouvante, une manière d'être à jamais inimitable : une « révolution » créative, une attitude et un doute fondamental où se croisent des personnalités venues de tous horizons mentaux et géographiques, de la France à New York, du Japon à l'Allemagne où le mouvement se cristallise, au gré de rendez-vous et festivals, de manifestations parodiques, poétiques et politiques à la fois. Soudain l'été Fluxus est une gageure car le Passage de Retz a d'abord l'ambition de témoigner de moments rares et d'attitudes singulières qu'il est toujours essentiel d'entendre et de regarder, sans en avoir ni les possibilités ni les moyens de faire œuvre muséale. On ne retrouvera donc pas ici les pièces que seules les institutions sont à même de réunir, mais un ensemble considérable d'œuvres et d'objets de nature souvent plus intime que Ben Vautier a accepté d'offrir de présenter au public pour la première fois. À cet ensemble unique qui constitue le corpus essentiel de cette exposition, s'ajoutent des œuvres provenant de collections privées, dont un large ensemble des archives de Luigi Bonotto inédit en France, permettant de dessiner les contours d'une histoire commencée, il y a quelque cinquante ans, et qui n'a toujours pas aujourd'hui l'intention de disparaître. Après Surexposition : Duchamp, Man Ray, Picabia - Sexe, Humour et Flamenco, et avant la première exposition d'envergure à Paris qu'il consacrera au mouvement lettriste, le Passage de Retz tente d'offrir un regard et une lecture sur un des mouvements clé de la création, mouvement qui nous aide à comprendre et à transcender encore et toujours notre quotidien. Soudain l'été Fluxus est une proposition du Passage de Retz. Elle a bénéficié du concours amical et exceptionnel de Ben et Annie Vautier et de Bernard Blistène.Elle a reçu le soutien de nombreux prêteurs privés.Sa coordination a été assurée par Valérie Maffioletti et Vincent Normand, ainsi que par l'équipe du Passage de Retz animée par Jacqueline Frydman.

Elles

Elles@centrepompidou: Me fascinó esta exposición por varios motivos. Porque el arte moderno y provocativo es mi preferido, porque son obras de mujeres y por su heterogeneidad y originalidad. Figuras, collages, fotos, perfomances, pinturas, montajes, vídeos... en una serie de salas y plantas en uno de los centros culturales más interesantes de Paris: Musée National d´Art Moderne Georges Pompidou. Pour la première fois dans le monde, un musée présente ses collections au féminin. Cette nouvelle présentation des collections du Musée national d'art moderne est entièrement consacrée aux artistes-femmes du XXème siècle à nos jours. Après Big Bang en 2005 et le Mouvement des Images en 2006-2007, elles@centrepompidou est la troisième présentation thématique des collections du Centre Pompidou. C'est l'occasion pour l'institution, qui a su constituer la première collection européenne d'art moderne et contemporain, d'affirmer son engagement auprès des artistes-femmes, toutes nationalités et disciplines confondues, de remettre les créatrices au centre de l'histoire de l'art moderne et contemporain du XXème et du XXIème siècles. Des figures emblématiques telles Sonia Delaunay, Frida Kahlo, Dorothea Tanning, Joan Mitchell, Maria-Elena Vieira da Silva voisinent avec les grandes créatrices contemporaines, parmi lesquelles Sophie Calle, Annette Messager, Louise Bourgeois ont fait l'objet d'expositions monographiques récentes au Centre Pompidou. Pluridisciplinaire, la programmation permet d'approfondir les domaines culturels que les femmes ont investis depuis un siècle, aussi bien dans la littérature que dans l'histoire de la pensée, de la danse ou encore du cinéma. PARCOURS DE L'EXPOSITION Thématique et chronologique, l'accrochage réunit une sélection de plus de 500 œuvres, de plus de 200 artistes, du début du XXème siècle à nos jours. Pionnières Niveau 5. Abstraites, primitives, fonctionnelles, urbaines, transdisciplinaires, surréelles, amazones, objectives... Huit salles présentent les œuvres de ces pionnières qui ont accompagné les avant-gardes et les évolutions dans tous les médias artistiques : Shirley Jaffe, Joan Mitchell, Sonia Delaunay, Natalia S. Gontcharova, Hannah Höch, Frida Kahlo, Judit Reigl, Suzanne Valadon, Diane Arbus, Dora Maar. Feu à volonté En ouverture au Niveau 4. Niki de Saint Phalle, Karen Knorr, Rosemarie Trocket parmi d'autres représentent celles qui se sont engagées dans l'histoire, féministes, critiques, photographes et interprètes, aux visions personnelles de la réalité. Corps slogan Niveau 4. Précoces et inventives en photographie et en vidéo, les artistes-femmes ont plus récemment transformé les pratiques du dessin, revisitant la notion même de corps. ORLAN, Jana Sterbak, Atsuko Tanaka ou Ana Mendieta se sont penchées sur la représentation du corps, de ses stéréotypes, notamment celui du genre, ainsi que sa mise en scène dans les débuts de la performance. Eccentric Abstraction Niveau 4. Essentielles dans la redéfinition des catégories visuelles et théoriques, les artistes-femmes ont exploré et commenté de multiples voies entre l'abstraction et la figuration, l'organique et le systémique, le conceptuel et le sensuel. En témoignent, entre autres, les œuvres de Louise Bourgeois, Agnes Martin, Vera Molnar, Valérie Jouve, Hanne Darboven. Une chambre à soi Niveau 4. Reprenant le titre du livre où Virginia Woolf s'interrogeait sur les conditions de production de l'œuvre d'art, ici sont regroupées les œuvres d'artistes qui abordent la question de l'espace privé, tissent de nouveaux liens entre projections mentales et espaces d'exposition. On y rencontre Dorothea Tanning, Tatiana Trouvé, Charlotte Perriand, Sophie Calle. Le mot à l'oeuvre Niveau 4. De la narration à l'énumération, en passant par l'autobiographie, la citation, la légende et les multiples dérives du livre d'artiste, des créatrices comme Jenny Holzer, Barbara Kruger, Natacha Lesueur, Cristina Iglesias, Eija-Liisa Ahtila explorent les différentes utilisations du langage dans l'art. Art conceptuel, mythologies quotidiennes, appropriation et post-modernisme utilisent le mot comme médium tandis que les installations vidéo redéfinissent l'idée de narration. Les Immatérielles Niveau 4. Matali Crasset, Alisa Andrasek, Tacita Dean, Louise Campbell, Isa Genzken, Nancy Wilson-Pajic, Geneviève Asse, etc., concluent sur l'une des caractéristiques les plus frappantes de l'art contemporain, à savoir la dématérialisation de l'œuvre d'art. Le titre est un clin d'œil à l'une des expositions cultes du Centre Pompidou, Les immatériaux. Las FOTOS son mías.

Museo de Bellas Artes de Sevilla

El Museo de Bellas Artes de Sevilla fue fundado como "Museo de pinturas", por Real Decreto de 16 de septiembre de 1835, con las obras procedentes de conventos y monasterios desamortizados por el gobierno liberal de Mendizábal. Se sitúa en la plaza del mismo nombre, ocupando el antiguo Convento de la Merced Calzada fundado por San Pedro Nolasco en unos terrenos cedidos por Fernando III tras conquistar Sevilla. El edificio debe su organización general a las transformaciones realizadas en las primeras décadas del siglo XVII gracias al impulso de Fray Alonso de Monroy, general de la Orden desde 1602. El arquitecto y escultor Juan de Oviedo y de la Bandera presentó en 1603 las trazas e instrucciones para la construcción, que se inició con el derribo del antiguo edificio mudéjar. En 1612 se concluyó el templo y casi medio siglo después el resto de la fábrica, configurándose así una de las más bellas muestras del manierismo andaluz. Se puede realizar un interesante recorrido por las catorce salas de su colección permanente: arte medieval español, Renacimiento, Barroco (Murillo), Francisco de Zurbarán, pintura sevillana del siglo XVIII, XIX y XX y pintura española de los mismos siglos. Destacan Murillo y Zurbarán: Francisco de Zurbarán fue la personalidad artística dominante en la pintura sevillana del segundo tercio del siglo XVII. Su estilo naturalista y sobrio, impregnado de una intensa espiritualidad, gozó de un extraordinario éxito y le convirtió en el artista preferido de las principales órdenes religiosas. Se exponen algunas obras pertenecientes a sus célebres ciclos monásticos, como los de los conventos dominicos de San Pablo y Santo Domingo de Porta Coeli de Sevilla. Destaca la importante serie de la Cartuja de Santa María de las Cuevas, en la que interpreta magistralmente los principios espirituales que rigen la vida de los cartujos. En la antigua iglesia del Convento de la Merced se expone el núcleo esencial de la colección. Pacheco representa, en la primera generación de artistas del siglo XVII, la pervivencia de la tradición manierista, y Juan de Roelas, la renovación naturalista que se impondrá. En esta generación destacan otros pintores como Mohedano, Uceda, y Juan del Castillo, maestro de Murillo. Herrera el Viejo y Zurbarán son los continuadores del naturalismo en el segundo tercio del siglo, y gracias a Murillo y Valdés Leal éste evolucionará hacia el pleno Barroco. El estilo de Murillo dominó la pintura sevillana durante la segunda mitad del siglo XVII, proyectándose su huella hasta bien entrado el siglo XVIII. El conjunto de pinturas que realizó para la iglesia del convento sevillano de Capuchinos es uno de los mejores de su producción y el más importante que conserva el museo. La visita se convierte en una experiencia única, ya que la Sala V, la antigua iglesia del convento, permite recrear el contexto original de este ciclo iconográfico, uno de los más importantes de la pintura sevillana del Barroco